|
Пути
развития русского искусства II
половины XIX
в. во многом совпадают с движением
развития литературы. Активное участие в
идейных боях – характерная черта
художественной культуры этого периода.
Изобразительное искусство не могло
остаться в стороне от процессов,
происходивших в общественном сознании.
Формируется течение, в основе которого
лежали идеи критического реализма. Одним
из первых мастеров этого направления
был Василий
Григорьевич Перов (1833–1882). Его
жанровые произведения («Сельский
крестный ход на Пасхе» 1861 г., «Проводы покойника» 1865 г., «Тройка» 1868 г.)
являют собой горестные истории жизни
простого народа изложенные языком
живописи. Повествовательность была
весьма распространенным явлением в
живописи II
пол. XIX
в. Она позволяла достичь предельной
ясности, остроты и широкой доступности
идейного содержания произведения. В
творчестве В. Г. Перова проявились
наиболее значимые черты зарождающегося
нового подхода к изобразительному
искусству, для которого характерно
сознание того, что помимо эстетических
достоинств живопись должна иметь
выраженное социальное, гражданственное
звучание. В. Г. Перов
был талантливым портретистом. К 60–70-м гг.
относятся замечательные портреты Ф. М. Достоевского,
А. Н. Островского, И. С. Тургенева. Новое
направление утверждалось в борьбе с
официальным искусством, представленным
руководством Академии художеств. В 1863 г.
группа студентов-выпускников
отказалась писать программные картины
на сюжеты скандинавского эпоса,
предложив вместо этого выбрать тему,
связанную с проблемами современного
общества. В этом им было отказано. В знак
протеста художники во главе с И. Н. Крамским,
не окончив официально курса, покинули
Академию, образовав «Петербургскую
артель художников». В 1870 г., уже в Москве, И. Н. Крамской,
В. Г. Перов,
Н. Н. Ге,
и Г. Г. Мясоедов
организовали «Товарищество передвижных
художественных выставок».
Товарищество устраивало выставки в
Петербурге, Москве, Харькове, Казани,
Орле, Одессе. В состав товарищества
передвижников в разное время входили И. Е. Репин,
В. И. Суриков, А. К. Саврасов, И. И. Шишкин,
А. И. Куинжи, И. И. Левитан, М. В. Васнецов,
Н. А. Ярошенко и др. Общепризнанным
идейным лидером этого объединения был Иван
Николаевич Крамской (1837–1887). «Художник
есть критик общественных явлений, какую
бы картину он ни представил, в ней ясно
отразится его миросозерцание, его
симпатии и антипатии, а главное – та
неуловимая идея, которая будет освещать
его картину. Без этого света художник
ничтожен», – считал Крамской. Крупнейшая
работа И. Н. Крамского – картина «Христос
в пустыне» (1872 г.). Несмотря на
сходство идейных позиций, его
творческая манера во многом отличается
от подходов В. Г. Перова. В картине
нет внешней повествовательности и нет
движения. Показана одиноко сидящая на
фоне каменистого пейзажа и закатного
неба фигура Христа. Крамскому удалось
передать колоссальное внутреннее
напряжение, титаническую работу души и
мысли. За основу взят библейский сюжет (хотя,
казалось бы, именно против исторических
и мифологических тем выступали в свое
время студенты-бунтовщики), однако в
картине нет и следа академической
рутины. Тяжкая дума готового принести
себя в жертву Христа воспринималась
зрителями как вызов общественному злу,
как призыв к самоотверженному служению
высшей цели. В этом произведении
воплотились лучшие качества
передвижничества. И. Н. Крамской
был прекрасным портретистом. Им созданы портреты
писателей Л. Н. Толстого, М. Е. Салтыкова-Щедрина,
художника И. И. Шишкина,
знаменитого коллекционера, мецената,
создателя галереи русской живописи П. М. Третьякова.
Большую популярность приобрела «Незнакомка»,
написанная художником в 1883 г. Батальный
жанр был представлен работами В. В. Верещагина,
художника, неоднократно участвовавшего
в боевых действиях и показавшего ужасы
войны в ее непарадных проявлениях: кровь,
раны, тяжелый повседневный труд простых
солдат, трагизм смерти, ставшей
обыденностью («Апофеоз войны»,
1871 г., «Балканская
серия» 1877–1881 гг.). Небывалого
расцвета достиг пейзаж. Пейзажная живопись
превратилась в одну из передовых
областей развития художественного
творчества, жанр этот был поднят на
новую высоту. Совершенствовались
выразительные средства, развивалась
техника. Пейзаж II
половины XIX
– начала ХХ вв. – это уже не просто
изображение «видов ландшафтов», а
живопись, через образы природы
передающая тончайшие движения
человеческой души. Величайшими
мастерами пейзажа в России были А. К. Саврасов
(«Грачи прилетели» 1871 г.), И. И. Шишкин
(«Сосновый бор» 1873 г., «Рожь» 1878 г.), А. И. Куинжи
(«Березовая роща» 1879 г., «Лунная ночь на
Днепре» 1880 г.), В. Д. Поленов
(«Московский дворик» 1878 г.), И. И. Левитан
(«Вечерний звон» 1892 г., «Весна. Большая
вода» 1897 г.), К. А. Коровин
(«Зимой» 1894 г. «Париж. Бульвар капуцинок»
1906 г.). Вершины
реалистическое искусство II
половины XIX
в. достигло в творчестве И. Е. Репина
и В. И. Сурикова. Начальные навыки
живописи Илья
Ефимович Репин (1844–1930) получил у
украинских живописцев Харьковской
губернии, откуда он был родом.
Впоследствии в годы учебы в Петербурге
большое влияние на формирование Репина
как художника оказал Крамской. Талант
Репина многогранен. Одна из первых
больших работ мастера – картина «Бурлаки на Волге» (1873 г.) имела
большой успех. Жанровая сценка
приобрела в картине поистине
монументальное величие. Каждый из
изображенных персонажей наделен
индивидуальной характеристикой.
Художником подчеркивается трагизм
низведения неповторимой человеческой
личности (личности-лица бурлаков
составляют смысловой центр картины) до
элементарной функции – тянуть вверх по
реке баржу. В целом композиция
воспринимается как многозначная
метафора, в которой даны тяготы
трудового народа, дремлющие в нем силы и
образ России. На протяжении всей жизни И. Е. Репин
писал портреты. Им создана целая
портретная галерея современников:
русского художественного и
музыкального критика В. В. Стасова,
писателей А. Ф. Писемского, Л. Н. Толстого,
инженера А. И. Дельвига, актрисы П. А. Срепетовой.
Величайшими произведениями русской
живописи являются картины И. Е. Репина
«Крестный
ход в Курской губернии» (1883 г.), «Не
ждали» (1888 г.), «Запорожцы
пишут письмо турецкому султану» (1891
г.), «Торжественное
заседание государственного совета»
(1903 г.). Историческая
живопись нашла свое наивысшее выражение
в творчестве Василия Ивановича
Сурикова (1848–1916). В истории
художника более всего интересовали люди:
народная масса и сильные яркие личности.
Первое произведение, принесшее В. И. Сурикову
славу, – «Утро
стрелецкой казни» (1881 г.). Композиция
построена на контрасте: горе, ненависть,
страдание, воплощенные в фигурах идущих
на смерть стрельцов и их близких,
противопоставлены восседающему на коне,
каменно застывшему в отдалении Петру.
Контраст положен в основу многих картин
Сурикова. «Меншиков в Березове» (1883 г.) –
богатые одежды «полудержавного»
светлейшего князя, сидящего в бедной и
темной крестьянской избе в окружении
детей, создают диссонанс,
подчеркивающий образ рухнувшей жизни,
тяжелого удара судьбы, величайшего
внутреннего напряжения. «Боярыня
Морозова» (1887 г.) – фанатичный
взгляд и темные одежды неистовой
староверки противопоставлены ярко
разодетой толпе народа, частью с
сочувствием, а частью просто с
любопытством взирающей вслед простым
крестьянским розвальням, увозящим в
заточение непокорную боярыню. К
позднему периоду творчества В. И. Сурикова
относятся картины «Взятие
снежного городка» (1891 г.), «Покорение
Сибири Ермаком» (1895 г.), «Переход
Суворова через Альпы» (1899 г.), «Степан
Разин» (1907 г.). Кроме
В. И. Сурикова картины на
исторические темы писал В. М. Васнецов.
Образ истории в его произведениях имеет
ощутимый былинный, сказочный оттенок: «После
побоища Игоря Святославича с половцами»
(1880 г.), «Аленушка» (1881
г.), особенно ярко соединение эпоса и
истории проявилось в грандиозном
полотне «Богатыри»
(1898 г.). Учеником
И. Е. Репина и П. П. Чистякова
был Валентин
Александрович Серов (1865–1911) – один
из величайших русских живописцев,
расцвет таланта которого пришелся на
рубеж веков. К лучшим произведениям
раннего периода его творчества
относится «Девочка с персиками» (1887 г.) –
пронизанная солнцем, сияющая радостными
красками, картина отличается тонкой
передачей световоздушной среды. Как
большинство художников своего времени,
В. А. Серов проявлял интерес к
портретной живописи. Им создано большое
количество живописных и графических портретов его современников (портреты художников К. А. Коровина,
И. И. Левитана, актрисы М. Н. Ермоловой,
писателей А. П. Чехова, А. М. Горького,
графини О. К. Орловой и др.).
Творчество В. А. Серова
ознаменовало собой смену эпох в
изобразительном искусстве. Начав как
реалист, близкий движению передвижников,
Серов затем отходит от традиции,
заданной художниками II
половины XIX
века и ставшей к началу ХХ в. уже во
многом шаблоном. Определяющим в этот
период становится стиль модерн,
проявившийся во всех областях
художественного творчества. В
литературе новые тенденции нашли
выражение в появлении поэзии символизма
и других литературных течений, для
которых основной характеристикой стал
отказ от прямого, «приземленного»
восприятия реальности. В живописи,
развитие которой, как уже говорилось, во
многом совпадало с развитием литературы,
модерн выразился в отходе художников от
социально значимой тематики и образной
системы критического реализма. Для
модерна характерно утверждение идеи
самодовлеющей ценности искусства («искусство
для искусства») и определяющего
значения эстетической составляющей
художественного творчества. Отсюда
проистекает частое соединение
символической идеи и декоративного
мотива, преобладание плоского цветового
пятна, гибкой линии, которые не выделяют
объема, а сливают их с плоскостью,
выдвигая в качестве определяющей при
построении композиции декоративно-узорное
начало. Влияние модерна сказывается в
исторических полотнах В. А. Серова («Петр
I»
1907
г.). Однако наиболее сильно отход от
классических канонов проявился в
картине «Похищение
Европы» (1910 г.), живопись которой
ничем не напоминает манеру раннего
Серова. В
1898 г. в Петербурге было основано новое
художественное объединение, получившее
название «Мир
искусства». Во главе
образовавшегося кружка встали художник
А. Н. Бенуа и меценат С. П. Дягилев.
Основное ядро объединения составили Л. С. Бакст,
Е. Е. Лансере, К. А. Сомов. «Мир
искусства» устраивал выставки и издавал
журнал под тем же названием. В
объединение входили очень многие
художники: М. А. Врубель, В. А. Серов,
И. И. Левитан, М. В. Нестеров, А. П. Рябушкин,
Н. К. Рерих, Б. М. Кустодиев, З. Е. Серебрякова,
К. С. Петров-Водкин. Эстетика
большинства представителей «Мира
искусства» являет собой русский вариант
модерна. Мирискуссники отстаивали
свободу индивидуального творчества.
Главным источником вдохновения
признавалась красота. Современный мир
по их мнению лишен красоты и поэтому
недостоин внимания. В поисках
прекрасного художники «Мира искусства»
в своих работах часто обращаются к
памятникам прошлого. Для художников
начала ХХ века социальные проблемы в
истории теряют первостепенное значение,
ведущее место в их творчестве занимает
изображение красоты старинного быта,
реконструкция исторических пейзажей,
создание поэтизированного
романтического образа «ушедших веков».
Острые коллизии и значительные
исторические деятели гораздо меньше
интересовали их, чем своеобразие
костюма, неповторимый колорит старины.
Ведущим в работах многих художников,
входивших в «Мир искусства», стал
историко-бытовой жанр. Изящество
галантного XVIII
в., прихотливость и некоторая
театральность барокко, изысканная
красота придворного быта стали темами
для работ А. Н. Бенуа
(«Прогулка
короля» 1906 г.), Е. Е. Лансере
(«Императрица
Елизавета Петровна в Царском Селе»
1905 г.), К. А. Сомова
(«Прогулка
маркизы» 1909 г., «Зима.
Каток» 1915 г.). Мир
древнерусской истории был представлен в
работах А. П. Рябушкина
(«Московская
улица XVII
века в праздничный день»
1895 г., «Свадебный
проезд в Москве. XVII
столетие»
1901 г.), Н. К. Рериха
(«Заморские
гости» 1901 г.). Неповторимый образ
Святой Руси, образ чистой, просветленной
красоты создал в своих работах М. В. Нестеров.
Его картины «Видение отроку Варфоломею» (1890 г.),
«Великий постриг»
(1898 г.), «На
Руси» (1916 г.) создают настроение
душевной гармонии, умиротворенной
созерцательности. М. В. Нестеров
расписывал храмы. В поздний период
творчества уже в советское время им была
создана целая серия портретов деятелей
науки и искусства (портреты академика И. П. Павлова,
скульптора В. И. Мухиной, хирурга
академика С. С. Юдина). Много
работали художники «Мира искусства» для
театра. Выдающиеся театральные
декорации для «русских сезонов»,
которые устраивал в Париже С. П. Дягилев,
создал Л. С. Бакст. Значительную
роль в развитии русского модерна сыграл Абрамцевский
художественный кружок, в котором
были объединены представители
московской творческой интеллигенции.
Центром объединения стал известный
предприниматель и меценат С. И. Мамонтов,
оказывавший материальную поддержку
художникам, помогавший им воплотить в
жизнь их творческие замыслы. Художники
собирались в подмосковном имении С. И. Мамонтова
Абрамцево, где им были созданы условия
для работы. Членами кружка были
скульптор М. М. Антокольский, В. М. и
А. М. Васнецовы, К. А. Коровин, И. И. Левитан,
В. М. Нестеров, В. Д. Поленов, В. А. Серов.
Членом абрамцевского кружка был один из
интереснейших русских художников М. А. Врубель.
Таинственность, мистичность,
загадочность полотен Врубеля («Демон» 1890 г., «Царевна-лебедь»
1900 г.), особая техника живописи, в основу
которой был положен резкий, ломающийся
штрих, расчленение объема на множество
пересекающихся граней и плоскостей,
мозаичный мазок сближает творчество
художника с установками представителей
символизма. Одним
из основоположников русского
символизма в живописи стал
В. Э. Борисов-Мусатов, чьи
исполненные элегической грусти,
подернутые дымкой нереальности, сна
произведения воплощали тоску по
уходящему в прошлое миру дворянских
усадеб, старых парков, тихому и
задумчивому течению жизни. Творчество В. Э. Борисова-Мусатова
положило начало еще одному
художественному объединению – «Голубая роза», члены которого
также работали в эстетике модерна. Возникновение
художественных объединений является
общей тенденцией как для литературы, так
и для изобразительного искусства.
Помимо названных большую роль в
развитии изобразительного искусства
начала ХХ в. сыграли «Союз русских
художников», основанный в 1903 г. в
Москве (А. М. Васнецов, К. А. Коровин,
А. А. Рылов, К. Ф. Юон, А. Н. Бенуа,
М. В. Добужинский, К. А. Сомов); «Бубновый
валет» (1910 г.), объединявший
художников, работавших в стилистике
постимпрессионизма (в это объединение
входил, например, известный художник П. П. Кончаловский);
«Союз
молодежи» (1909 г.) и др. Начало
ХХ в. – время развития и становления
русского модернизма,
представленного огромным количеством
самых разнообразных течений и
направлений: фовизм, футуризм, кубизм,
супрематизм и т. п. Для модернизма
характерно отрицание опыта
традиционного искусства. Уже в конце XIX
в. многие художники начали поиски
нетрадиционных форм, но до начала 1900-х гг.
они не были столь радикальными. Если
художники русского модерна искали в
прошлом источники истинной красоты и
вдохновения, то модернизм решительно
порывал с ним. Новое направление
осознавало себя находящимся на переднем
крае развития искусства – авангардом.
Виднейшими представителями авангарда
были родоначальник абстрактного
искусства В. В. Кандинский
(«Импровизация
№ 7» 1910 г., «Смутное»
1917 г.), М. З. Шагал
(«Автопортрет
с семью пальцами» 1911 г., «Над
городом» 1914 г.), П. А. Филонов
(«Пир
королей» 1913 г., «Крестьянская
семья» 1914 г.) и К. С. Малевич,
основатель супрематизма –
художественного направления, доведшего
идею беспредметной абстрактной
живописи до логического завершения. В
картинах Малевича гармония достигается
сочетанием простых геометрических форм
(цветных прямоугольников, треугольников,
прямых линий). Программное произведение
К. С. Малевича – «Черный
квадрат» (1913 г.) стало идейным
манифестом супрематизма. Весьма
значительные изменения происходят в
архитектуре. Единство стиля,
соблюдавшееся до II
половины XIX
в., уступило место эклектике (смешению
стилей). Распространенным приемом стала
стилизация – возводя новые здания,
архитекторы придавали их внешнему
облику черты архитектурных стилей
минувших эпох. Сочетание
классицизма и барокко стало основой
архитектурной композиции Исаакиевского
собора (1818–1858 гг.), строительству
которого больше половины своей жизни
посвятил выходец из Франции О. Г. Монферран. В
псевдовизантийском стиле работал К. А. Тон, которому
принадлежит проект храма Христа
Спасителя в Москве, Большого
Кремлевского дворца, железнодорожных
вокзалов петербургского и
московского соответственно в Москве и
Петербурге. Одним
из первых мастеров, работавшем в стиле,
образцом для которого стала
древнерусская деревянная архитектура,
был И. П. Ропет (настоящее имя и
фамилия И. Н. Петров). Ропет
руководил постройкой деревянного здания Русского отдела на
Всемирной Парижской выставке 1878 г., им
построен «Терем» в Абрамцеве под
Москвой. По имени архитектора стиль
этот, называемый вообще псевдорусским,
именуется иногда ропетовским.
Псевдорусский стиль нашел выражение в
работах А. А. Парланда
(Храм
Спаса на крови в Петербурге), А. А. Семенова
и О. В. Шервуда
(Исторический
музей в Москве). Для псевдорусского
стиля характерно широкое использование
декоративных элементов архитектуры XVII
в. при сохранении современной
планировки внутренних объемов. Мало
чем отличается от обычного для XVIII
в. барокко внешнее оформление дворца
князей Белосельских-Белозерских,
построенного на Невском проспекте
архитектором А. Штакеншнейдером.
Неоготика, неоромантика, неоклассика –
таков спектр эклектических
экспериментов русских архитекторов II
половины XIX
– начала ХХ в. Важной
вехой в развитии архитектуры начала ХХ в.
стал модерн. После долгого господства
эклектики и стилизаторства «под старину»
модерн вновь повернул архитектуру в
направлении поступательного развития, к
поиску новых форм. Для модерна
характерно соединение всех видов
изобразительного искусства для
создания ансамбля, законченной
эстетической среды, в которой все,
начиная от общих очертаний здания,
заканчивая рисунком решетки ограды и
мебелью, должно быть подчинено одному
стилю. Модерн в архитектуре и
декоративном искусстве проявился в
специфической текучести форм, любви к
орнаменту, пастельной сдержанности
колорита. В Москве архитектура модерна
представлена, например, работами Ф. О. Шехтеля
(особняк С. П. Рябушинского 1902 г.). Совершенно
новых подходов к архитектуре требовало
строительство сооружений,
необходимость в которых возникла в
связи с развитием промышленности:
фабричные и заводские помещения,
вокзалы, магазины и пр. Важным
явлением в архитектуре II
половины XIX
в. было появление нового типа зданий –
так называемых доходных домов, т. е.
многоквартирных, как правило
многоэтажных жилых построек,
предназначенных для сдачи квартир в
наем. Большое влияние на творчество
архитекторов оказала возможность
использования новых инженерных средств:
металлических конструкций и
железобетона, позволявших перекрывать
без дополнительных подпорок большие
площади, смелее моделировать
распределение архитектурных масс и т.
д. В
скульптуре II
пол. XIX
в. наиболее интересно творчество М. М. Антокольского.
Небольшие по размерам, камерные,
станковые работы Антокольского
отличаются большой выразительностью. В
портретах великих личностей прошлого («Иван
Грозный» 1870 г., «Петр
I»
1872 г., «Умирающий
Сократ» 1875 г., «Спиноза»
1882 г.) отсутствие внешней
монументальности было оправдано тонким
психологизмом и убедительностью
образов, воссозданных мастером по
скудным документальным свидетельствам
с большой долей художественного вымысла. В
1880 г. в Москве был установлен один из
первых памятников А. С. Пушкину,
создателем которого был скульптор А. М. Опекушин. Наиболее
крупными скульпторами рубежа XIX–ХХ
веков были П. П. Трубецкой и С. Т. Конёнков.
Самой известной работой П. П. Трубецкого
является бронзовый памятник Александру III. Трубецкому
удалось точно передать характер
Александра – императора, поставившего
главной целью своей жизни сохранение
незыблемости традиций российского
самодержавия. Тяжеловесная
внушительность грузной фигуры царя,
сидящего на столь же тяжеловесном коне,
являла собой образ давящей грубой силы,
грозного величия. В то же время в
памятнике читается явственный
сатирический подтекст, который очень
скоро почувствовали современники. В
народе бытовала загадка-эпиграмма: Стоит
комод, На
комоде бегемот, На
бегемоте обормот, На
обормоте шапка, На
шапке крест, Кто
угадает, Того
под арест. Творчество
С. Т. Конёнкова
весьма разнообразно. Наряду с
остросоциальными темами («Портрет рабочего-боевика
1905 года Ивана Чуркина» 1906 г.), его
внимание привлекала славянская
мифология, русский фольклор, сказки («Стрибог»
1910 г., «Старичок-полевичок»
1910 г.). Заметную роль в развитии русской
скульптуры сыграло творчество А. С. Голубуиной,
среди работ которой наиболее интересны
портреты (бюсты К. Маркса 1905 г., Андрея
Белого 1907 г.) и А. М. Матвеева
– мастера изображения обнаженной
натуры в античном духе («Спящий мальчик»
1907 г.) Больших
высот во II
половине XIX–начале
ХХ в. достигло русское театральное
искусство. В его развитии произошли
существенные изменения: в репертуаре
увеличивается количество пьес
отечественных авторов (А. Н. Островского,
А. В. Сухово-Кобылина, А. П. Чехова,
А. М. Горького), открываются новые
театры, в том числе и в провинции. Важным
этапом в развитии русского сценического
искусства было создание в 1898 г.
Московского Художественного театра
(МХТ, ныне Академический – МХАТ).
Создателями театра были К. С. Станиславский
и В. И. Немирович-Данченко. Главной
особенностью МХТ были демократизм и
новаторство. На его сцене шли пьесы
Чехова, Горького, Ибсена, Метерлинка,
Островского и др. Всемирную известность
получила система работы актера над
образом, разработанная К. С. Станиславским.
Эпоха породила целую плеяду
замечательных актеров: актриса
московского Малого театра М. Н. Ермолова, петербургского
Александринского театра П. А. Стрепетова, актер МХТ В. И. Качалов
и многие другие. В
конце XIX
в. в русскую культуру входит кино.
«Движущаяся фотография» братьев Люмьер
появилась в России уже на следующий год
после изобретения. Первые киносеансы в
Москве и Петербурге состоялись в 1896 г. В
1908 г. была выпущена первая русская
игровая картина «Стенька
Разин». Появились кинорежиссеры и
актеры. «Кинозвезда» начала века – Вера Васильевна
Холодная (1893–1919). Во
второй половине XIX
в. продолжает развиваться русская
национальная музыкальная школа,
основателем которой в первой половине
столетия стал М. И. Глинка. Его
традиции развивали композиторы «Могучей
кучки», творческого союза
выдающихся русских композиторов,
сложившегося в 1862 году в Петербурге. В
группу вошли: М. А. Балакирев (1837–1910),
Ц. А. Кюи
(1835–1918), М. П. Мусоргский
(1839–1881), А. П. Бородин
(1833–1887), Н. А. Римский-Корсаков
(1844–1908).
Организатором этой группы был М. А. Балакирев.
Название кружку Балакирева придумал
критик В. В. Стасов. Композиторы «Могучей
кучки» боролись за укрепление и
развитие национального стиля в музыке.
Важнейшей сферой деятельности для них
было собирание и издание народных песен.
Очень часто в своем творчестве
композиторы обращались к сюжетам
русской истории и фольклора:
«Борис Годунов», «Хованщина»
Мусоргского; «Князь
Игорь» Бородина; «Снегурочка»,
«Псковитянка»,
«Золотой
петушок» Римского-Корсакова. Величайшим
композитором в истории русской и
мировой музыки был Петр Ильич
Чайковский (1840–1893) – создатель
высочайших образцов опер («Евгений Онегин»
1878 г., «Мазепа»
1883 г., «Пиковая дама» 1890 г., «Иоланта»
1891 г.), балетов («Лебединое
озеро» 1876 г., «Спящая
красавица» 1889 г., «Щелкунчик»
1892 г.), симфонических и камерных
произведений. На
рубеже веков русская музыка была
обогащена приходом в нее новых
талантливых композиторов и
исполнителей. Автором монументальных
симфонических произведений и балетов
был А. Н. Глазунов. Одним из
основателей современного музыкального
языка, современной симфонической музыки
считается композитор и пианист А. Н. Скрябин. Неповторимым
своеобразием и оригинальностью
отличались музыка и исполнительское
мастерство С. В. Рахманинова,
выдающегося композитора, пианиста и
дирижера. Составной
частью развития музыкальной культуры и
прямым ее следствием была мировая слава,
которой достигли мастера русского
музыкального театра – оперы и балета.
Лидирующее положение среди музыкальных
театров занимали петербургский Мариинский
театр и Большой театр в Москве. Имена
знаменитого оперного баса Ф. И. Шаляпина,
лирического тенора Л. В. Собинова, русского
балетмейстера и педагога М. И. Петипа,
балетмейстеров и танцовщиков М. М. Фокина,
В. Ф. Нижинского,
балерины А. П. Павловой получили
широкую известность как в России, так и
за рубежом. Большое значение для
распространения и популяризации
русского искусства в Европе имели «Русские
сезоны» – гастроли русских оперных
и балетных трупп, организованные С. П. Дягилевым
в Париже и Лондоне (1908–1914 гг.).
|